EL CIELO ES VERDE *blog

CESAR TRONCOSO SALVA A EDMOND

2011-11-28T01:28:00.001-02:00

César Troncoso es el actor uruguayo que le da vida a Edmond, el personaje creado por el escritor David Mamet y bajo la dirección de Gabriel Calderón.

Edmond, bajo la dirección de Gabriel Calderón, es una obra que no presenta un fuerte contenido. Diálogos cortos y escenas en donde la reflexión sobre el comportamiento humano pierde fuerza y termina convirtiéndose en un comentario más dentro de la obra.

La interpretación de Edmond por César Troncoso es lo que salva la obra y la convierte en una obra media, ya que cómo está planteada se transforma en una hora y diez minutos sin emociones fuertes. César Troncoso interpreta a Edmond logrando transmitir ese asco por el personaje que convive dentro de nuestro entendimiento sobre su forma de actuar.

Sentí que la obra fue pobre y tuvo desperfectos en los movimientos de sus actores. Sentí que la propuesta representativa fue realizada al pasar, como que si hubiese tenido poco ensayo. Me impactó ver una producción tan pobre y falta de emociones fuertes, para ser una representación a cargo de Gabriel Calderón.

Casi me duermo.

TRES HISTORIAS EN UNA OBRA: LA MUJER JUSTA

2011-08-27T17:52:00.001-03:00

Fui a ver La mujer justa en el Teatro Circular de Montevideo, bajo de la dirección de Cecilia Baranda, de Sándor Márai.

A lo largo de la obra sentí que la representación se realizó a las apuradas, que era demasiado texto para tan poco tiempo. Y eso provocó que no pudiese disfrutar tanto de la obra como realmente lo hubiese querido. Me gusta estremecerme, quedarme pensando por un momento.

Los silencios debían respetarse. Y en el único momento que se respetó fue al final, cuando la mejor actriz de la obra (con el rol de la empleada en su adultez) se adueñó de la representación y demostró lo bien que se pueden hacer las cosas.

La Mujer Justa es una de las obras más conocidas de Sándor Márai, dramaturgo húngaro, llevada a escena por la uruguaya Cecilia Baranda en el Teatro Circular. La obra es básicamente el conflicto de las clases sociales, del amor, de la pasión, de la guerra, del arte… de la cultura.

De la obra, La mujer justa, destacO dos frases en las que me quedé pensando durante y después de la representación.

El burgués tiene que estar toda la vida demostrando quién es. El aristócrata ya ha demostrado quién es en el momento de nacer.

Para el pequeño burgués, viejo amigo, la cultura y lo que ella conlleva no son experiencias sino un conjunto de datos.

EL REY SE MUERE

2011-08-13T21:03:00.001-03:00

El viernes vi El Rey se muere, de Eugène Ionesco, en el Teatro Circular, bajo la dirección de Alberto Zimberg.

La obra comienza abruptamente con los personajes gritando ¡Bérenguer, Bérenguer!, que es el nombre de un hombre que cree ser el Rey de una tierra que cada día va decreciendo, al igual que su poder. Bérenguer, cuanto más se acerca a la muerte, va perdiendo poder sobre sus súbditos y todo en su reino deja de ser productivo; la vaca ya no da leche, no hay nacimientos y todo envejece.

Durante la obra ya sabemos que el rey va a morir, y su muerte será el final de la obra.

Considero que la puesta en escena de la obra no fue buena, ya que no se hizo rendir la sala Circular del teatro. Es decir, que frente a una sala circular sentí que los espacios no eran bien aprovechados. Siempre sentí que los personajes que interactuaban hacia el sector en donde estábamos con mi novio, eran los secundarios. El Rey siempre se mantuvo frente al sector opuesto al que nos encontrábamos.

Los personajes femeninos fueron los que tuvieron las mejores interpretaciones. Se sintió la firmeza en la Reina y la pasión joven en la Reina amante. Considero que la peor representación fue la del Doctor, que la sentí muy forzada y mala.

Sentí que vi una obra muy buena, bien representada más allá de algunos aspectos que no me gustaron y fundamentalmente sentí que no perdí el tiempo.

"Existe un gran conflicto que se desarrolla a lo largo de toda la obra: el rey se va a morir y no quiere aceptarlo. Aquí Ionesco, magistralmente, desde el humor absurdo, la poesía y hasta la filosofía, nos presenta su visión sobre la vida y la muerte, al contarnos el proceso por el que transita el rey Bérenguer para aceptar su muerte. Nuestro desafío fue encontrar acciones inspiradas en sus palabras, promoviendo una puesta en escena dinámica, apostando a un humor absurdo, sin perder la poesía y lo intenso del texto" Director Alberto Zimberg.

CUENTO DE INVIERNO: CELOS Y SHAKESPEARE

2011-06-11T13:32:00.001-03:00

Cada vez que pienso en Cuento de Invierno de Shakespeare interpretada por la Comedia Nacional en el Teatro Solís de Montevideo solo puedo recordar al oso. Sí, a la mala representación de un oso. Pero dejando de lado al oso, la obra teatral de casi tres horas de representación con un entreacto de diez minutos me pareció digna de la Comedia Nacional.

Soy de los que aman los personajes femeninos fuertes, como los de Shakespeare, por lo que en Cuento de Invierno por Levón no quedé decepcionado por malas interpretaciones sino que pude sentir la fuerza de los mismos.

Cuento de Invierno de William Shakespeare.

Dirección Levón.
Teatro Solís
Viernes y sábados 21 hrs. domingos 19 hrs.
Apto mayores de 15 años

Un monarca enfermo de celos, sirve al enorme dramaturgo inglés para desplegar un friso tragicómico de efectos de la mitomanía sobre la voluntad. En este viaje, la dignidad de la mujer paga un precio límite por resistir la calumnia y el abuso.

ME DUELE UNA MUJER

2011-03-14T23:24:00.001-03:00

Me duele una mujer. Miércoles y Jueves en teatro El Galpón.

Fui con la idea de ver una obra de Miércoles en el teatro El Galpón, es decir que pensé que por representarse un miércoles sería una obra de bajo nivel. No fue así, sino que me encontré con una gran obra de teatro en donde me asombré durante toda la obra, de los buenos actores que participaban en ella y de la excelente construcción de la historia.

Me duele una mujer es la historia de un hombre que está obsesionado con una mujer, Paula. El hombre que visita periódicamente a su psicóloga y que cree ver a su amada en todos lados se representa a través de tres personajes: su lado correcto, su lado pasional y el hombre propiamente dicho. Por lo tanto durante toda la obra veremos y escucharemos a tres hombres formando un solo hombre trastornado por una mujer.

Me duele una mujer tiene una excelente ambientación musical que acompaña las escenas, basándose en el Tango y haciéndolo a través del baile. Lo que separa cada escena es un baile de tango por una joven pareja que sube al escenario, también realizándose con concordancia a la situación amorosa que va planteando la obra.

Me duele una mujer me dio más de lo que esperaba de ella con anticipación, es una muy buena obra para ver.

Elenco: Carolina Pereira, Claudio Lachowicz, Daniel Cardozo, Pablo Pipolo y Elizabeth Vignoli. Bailarines: Florencia Chamyan y Diego Bado.

<Fuente de imagen saladeespera.com.uy>

EN EL GALPÓN: TRAICIÓN

2011-02-13T14:31:00.001-02:00

Casi me duermo viendo la obra Traición en la incómoda Sala Atahualpa del Teatro El Galpón. En realidad creo que en algún momento me dormí y fui despertado por el veterano que estaba detrás de mí, con un teléfono celular puesto en modo vibrador que no dejaba de vibrar.

Traición es una obra que por su representación en El Galpón ha sido reconocida dentro del ámbito dramático uruguayo, y aunque a mí me provocó sueño entiendo que los actores que la representan son de primer nivel. En particular, la actriz, Claudia Trecu es la que, sin lugar a dudas, destaca en la obra tanto por la fuerza de su papel como por la interpretación.

Casi me duermo porque Traición no es una obra para el momento actual de mi vida. Traición es una obra para verla dentro de, tal vez, unos veinte años. Traición es una obra para personas veteranas que logren entender el concepto propio de la obra, por lo menos en mi caso no pude hacer catarsis.

Espero que dentro de veinte años, cuando vuelva a ver Traición, no sigan proyectando imágenes sobre una cortina negra para crear la escenografía. ¡Eran horribles las proyecciones de la supuesta escenografía! La biblioteca era la peor de todas.

TRAICIÓN

De Harold Pinter / Dir. Anthony Fletcher
Viernes y sábados, 21:30 horas. Domingos, 19.30 horas.

En el transcurso de nueve años, “Traición”, la obra de Pinter, explora las vidas de tres personas: Robert, un editor, su esposa Emma y Jerry, su mejor amigo, quien tiene un affaire con Emma. Durante nueve escenas, el ganador del premio Nobel ilumina las complejidades de las relaciones humanas. Los tres personajes intentan mantener su amistad a pesar de las traiciones múltiples que están generando desde su intimidad.
Elenco: Gustavo Alonso, Claudia Trecu, Pablo Dive, Doménico Caperchione.

DEL CONVENTILLO AL CANTEGRIL: LOS DE SIEMPRE

2010-11-27T00:01:00.001-02:00

Los de siempre en el teatro Solís, con la dirección de María Varela, es una obra de teatro que integra los argumentos de dos obras clásicas de Florencio Sánchez: Canillita y En familia.

La directora María Varela ha imaginado para montar con el elenco de la Comedia Nacional una fusión de dos textos claves dentro del teatro de Sánchez haciendo convivir las historias y sus personajes en un tiempo difícil de definir. Así surge Los de siempre, con el apoyo de la dramaturgia de Carlos Manuel Varela para entremezclar las tramas argumentales de ambos textos y reescribir ciertos fragmentos de Canillita que, en esta versión, adquieren una nueva presencia, una dimensión que pretende acercarlos a nuestro aquí y ahora y sus fragilidades.

Más allá de las apariencias o de las clases sociales, las desgracias siempre pueden ser las mismas. A unos les llega la violencia y a otros las apariencias, unos roban carteras y otros le temen a la vergüenza. Los conventillos de Florencio Sánchez ahora son los cantegriles de la pobreza y de la Pasta Base. Los de clase alta mantienen su dignidad en lo alto, aparentando cuando en realidad no tienen nada. Los de siempre, la misma historia que no conoce fronteras de clase.

En el centro, el living de una familia de Clase Alta que ha caído en la pobreza y en la vergüenza de no tener que comer y de tener que salir a estafar para no perder un ritmo de vida acorde a lo que nos dicta la sociedad de consumo. Allá atrás, en el fondo, los pobres vecinos que viven en la misma miseria que los de adelante. Diferentes drogas, diferentes casas pero en el fondo son los de siempre: esos que viven en la miseria de la pobreza. Y la obra es un juego entre dos tiempos que se tocan entre sí, un juego de dos niveles en donde las historias se unen formando una única realidad.

Si bien la obra me dejó gusto a poco y un mensaje que no me aporta nada nuevo a lo que ya sé, considero interesante cómo se unieron los tiempos que provocaron la unificación de situaciones en una obra de apenas una hora de duración.

CON ONDA DE DISCOTECA: MOLIERE POR LA COMEDIA NACIONAL

2010-11-21T23:01:00.001-02:00

No hay lugar a dudas de que El enfermo imaginario de Moliere representado por la Comedia Nacional bajo la dirección de Juan Antonio Saraví, es la mejor obra de la Comedia Nacional para la temporada 2010. Porque si bien este año pude ver muy buenas obras a cargo de la Comedia Nacional, considero que la recreación y actualización lograda sobre El enfermo imaginario es impresionante. Porque no hay otra palabra que la pueda describir mejor.

Pensé que me iba a encontrar con una representación clásica y con palabras inentendibles, como muchas veces quiere ser el teatro que pretende ser culto y distinguido. Pero esta vez, viendo iluminado el nombre de Moliere en el techo de la Sala, me encontré con una representación que en un momento pareció ser una gran discoteca en donde la música hacía que los personajes cobraran vida. Fue más que una simple representación. Fue clásica y actual. Fue Moliere y no lo fue.

Creo que lo que más destacó en la obra fueron las brillantes interpretaciones realizadas por los actores de la Comedia Nacional, en donde la comedia pudo sentirse y no tuve que forzar la risa o peor aún: el aplauso. No sé si cantaron bien o mal, si la iluminación fue la correcta. Ni siquiera tuve oportunidad de observar los pequeños detalles, porque el todo perfecto me lo impidió.

Creo que cinco minutos más en el Solís y hubiese ido a hacer pogo.

¿De qué se trata El enfermo imaginario?

Argán, un burgués hipocondríaco, vive con su mujer Belina, quien lo cuida con esmero aunque en realidad espera con ansias su muerte para poder heredar su fortuna. Lo visitan a menudo toda clase de médicos, quienes le indican tratamientos y remedios para aliviar sus extrañas enfermedades y tratarle imaginarias dolencias. Su hija, Angélica, está enamorada de un joven de escasa fortuna llamado Cleanto. Esto disgusta a Argán, quien pretende que su hija se case con un médico. De ahí surgen los más diversos enredos que culminan con un final al borde del delirio. El hermano de Argán, Beraldo, y la criada Toñita serán los que aporten el sentido común ante la ciega manía del protagonista.

LA CABRA O ¿QUIÉN ES SILVIA?

2010-10-10T01:46:00.001-02:00

La obra habla de los límites de la tolerancia: de lo que nos permitimos hacer o pensar nosotros mismos. Es una obra que al principio parece una cosa pero que va abriendo un abismo a medida que profundizamos en ella. Y creo que conmocionará y molestará a cierto tipo de gente... Con suerte habrá gente que se levantará de su butaca, amenazará con los puños y lanzará cosas al escenario durante la representación. Eso espero.
Edward Albee

Esta noche fui a la sala Verdi a disfrutar de la obra de teatro La cabra o ¿Quién es Silvia?, interpretada por la Comedia Nacional. La cabra o ¿Quién es Silvia? es una tragicomedia en la cual se analizan las relaciones humanas, principalmente familiares, de la sociedad tipo norteamericana. Sociedad que sufre los mismos problemas que cualquier familia burguesa del mundo. Familias que parecen ser liberales y conservadoras al mismo tiempo. Familias ideales que esconden sus problemas convirtiéndose en familias idealizadas por el resto de la sociedad.

La cabra o ¿Quién es Silvia? es fundamentalmente una provocación. Provocación y desafío. Una forma realista de ver nuestro comportamiento posmoderno, en donde gracias a la emoción un hijo homosexual besa a su padre que horas más tarde había tenido relaciones con una de sus amores: Silvia, la cabra.

La obra La cabra o ¿Quién es Silvia? se destaca por los personajes principales, que le exprimen todo el potencial a un texto dramático reconocido mundialmente. En especial destaca la actriz Isabel Legarra, interpretando a la esposa perfecta que descubre que su marido la engaña con una cabra. Por momentos, su forma de interpretar a Stevie me recordó a Karen de la serie norteamericana Will & Grace.

De toda la obra lo malo fue el dossier, que tenía varios errores de formato. Me dio la sensación de que no pasó por un corrector o que lo escribió alguien que no sabe cómo utilizar una computadora.

Más allá de esa imperfección, en cuanto a la escenografía debo decir que es espectacular. Escenografía acorde a una familia clase media alta, intelectual y demócrata. Estaba todo dispuesto de tal forma que el movimiento de los actores era claro, nadie quedaba tapado por alguien o por algo. Un aspecto negativo fue la iluminación, debido a que por momentos se me cansaron en exceso los ojos por causa de un resplandor que venía de la puesta en escena. Sé que una luz más tenue hubiese hecho que la obra perdiese su pureza en el blanco, pero me hubiese cansado menos la vista.

BOTÍN EN EL CIRCULAR

2010-08-08T20:57:00.001-03:00

Este viernes fui al teatro Circular de Montevideo a ver la obra Botín. La obra Botín es una crítica a lo que somos como sociedad, realizada desde el humor y la representación absurda de la muerte.

Me encantó la obra de teatro Botín.

Botín es una obra que juega con la muerte a través de lo que somos y lo que parecemos. En Botín cada personaje busca obtener su bienestar económico dejando de lado la moral y los sentimientos. Botín es una obra de teatro que refleja, con humor, lo que somos como sociedad. Un padre devoto, una madre muerta, una empleada cristiana y asesina, un hijo homosexual, un chofer ladrón y bisexual y un policía violento e ignorante conforman un cuadro de personajes que nos hacen reír a través de sus actitudes y problemáticas.

Más información sobre la obra de teatro Botín en teatro Circular de Montevideo:
Escrita por Joe Orton y bajo la dirección de Juan Graña

Atención. El público que desee ver este espectáculo debe estar advertido que habrá pasajes en los cuales su educada sensibilidad se verá agredida. No por el sexo ni por ninguna de sus muchas, atractivas y taquilleras variantes. La intención es golpear la hipocresía, desnudar la falsedad con que se defienden los valores más sagrados, atravesar con agudeza las capas de la mentira, y si es posible, divertirse.

Elenco: Mariana Lobo, Xavier Lasarte, Álvaro Correa, Martín Castro y Martín Abdul.

DOS MUJERES EN UN TEATRO: EL CERCO DE LENINGRADO

2010-07-04T17:43:00.001-03:00

Cuando saqué mi entrada pensé que iba a ser el único espectador en la pequeña sala Cero del Teatro El Galpón. Pero cuando subí para hacer la fila me encontré con muchas personas que acudían a ver El cerco de Leningrado.

El cerco de Leningrado es una obra de humor en la que se presenta a dos mujeres maduras en escena, que se encuentran en el, cerrado muchos años atrás, teatro del Fantasma. Las mujeres que viven del recuerdo son representadas con excelencia por parte de las actrices Maruja Fernández y Solange Tenreiro.

Más allá del contenido y de las antiguas teorías marxistas revolucionarias, la obra impone su fuerza gracias a la representación que realizan las actrices. Creo que sin su ímpetu, la obra sería un gran fracaso.

A continuación podrás leer a descripción del teatro El Galpón sobre El cerco de Leningrado.

Un teatro cerrado durante 23 años, luego de una derrota popular. Una actriz veterana y la dueña de la sala viven en la misma durante esos 23 años para evitar su derrumbe o su cierre definitivo y preservar el recuerdo de su director asesinado. La entrañable y humorística relación entre estas dos mujeres se convierte en una parábola sobre la solidaridad y la resistencia a pesar de las derrotas.

Elenco: Maruja Fernández y Solange Tenreiro.

HACIA EL SOL: ROBERTO ZUCCO

2010-06-20T18:15:00.001-03:00

Bajo la dirección de Alfredo Goldstein se estrenó ayer Roberto Zucco en el Teatro Solís; a cargo de la Comedia Nacional.

Roberto Zucco es la historia de un asesino en serie que mató a su padre y también a su madre. Roberto Zucco es una obra que trasgrede lo socialmente establecido. Roberto Zucco es crítica a nuestra sociedad moderna. Roberto Zucco es una obra fálica recomendable para las viejas que se asustan con un pene o una violación.

Lo más sorprendente de la realización es la escenografía y la ambientación musical. Unos muros que son cárcel y son lamentos y también son golpes. Pocas veces he visto un manejo tan perfecto de la iluminación.
La ambientación musical está a cargo de seres vestidos de negro golpeando palos de madera y de metal. El gran tema musical de la obra está dado por el juego que se hace con unas viejas latas de metal.

La obra transcurre cautivando minuto a minuto al espectador, hasta el final mágicamente desarrollado.

UN KOLTÈS QUE ACABA DE SER ESCRITO

“Nadie se interesa por nadie. Nadie. Los hombres precisan a las mujeres y las mujeres precisan a los hombres. Pero lo que es amor, no hay. (…) Creo que no hay palabras. No hay nada para decir. Hay que dejar de enseñar palabras. Hay que cerrar las escuelas y ampliar los cementerios. De todos modos, un año, cien años, da igual. Antes o después todos tenemos que morir, todos. Y eso es lo que hace que los pájaros canten, que los pájaros se rían.”
Bernard-Marie Koltès / Roberto Zucco

“No hay amor, no hay amor. No, usted no podrá alcanzar nada que ya no haya sido alcanzado, porque un hombre muere primero, después busca su muerte y la encuentra finalmente por azar, en el trayecto azaroso de una luz a otra, y dice: entonces, era sólo esto.”
Bernard-Marie Koltès / En la soledad de los campos de algodón

Imagen de la obra Roberto Zucco que se representa en el Teatro Solís, a cargo de Alfredo Goldstein.
Fuente de la imagen: Comedia Nacional.

TODO ES CELESTE: LAS JULIETAS

2010-05-30T15:37:00.001-03:00

Este Sábado asistí al Teatro Circular de Montevideo, para disfrutar de una función de teatro. Las Julietas fue la obra que vi, en esta oportunidad.

Durante los primeros diez minutos de la obra pensé en irme. Pensé en salir huyendo del teatro. No podía racionalizar la obra para exigirme la risa.

Después de que mis estructuras mentales se acostumbraron a la representación, distinta a la convencional, pude empezar a disfrutar una obra celeste. Celeste por el Uruguay que en 1950 ganó un mundial. Celeste por ser cuatro personajes que parecían ir en busca de su propio ~~autor~~ director.

Cuatro personajes que ingresan a escena utilizando bóxers de color celeste. Cuatro personajes que se visten y ocupan cuatro sillas. Cuatro actores que representan. Cuatro personajes que hablan. Cuatro personajes que no se escuchan. Cuatro personajes que se basan en la idea de un país celeste.

La obra me terminó gustando, porque pudo transmitirme lo que quiso transmitir. Si es que intentó o pretendió transmitirme algo. Lamentablemente no es el tipo de teatro que me gusta.

Las Julietas se representa actualmente en la sala circular del Teatro Circular de Montevideo. Los personajes son representados por los jóvenes actores Leonardo Pintos, Mariano Prince, Claudio Quijano y Santiago Sanguinetti. La dirección de Las Julietas está a cargo de Marianella Morena.

MÓVIL, EN EL GALPÓN

2010-05-23T00:25:00.001-03:00

Móvil, así es como le llaman al teléfono celular en algunos países.
Móvil, así es como se llama la gran obra que se está presentando en el teatro El Galpón de Montevideo.

Móvil es una obra con una hora y media de duración en donde se reflejan los tiempos posmodernos, tiempos de comunicación vía teléfono celular. Tiempos en donde gracias al teléfono se puede decir cosas que no se dirían “frente a frente”.

Móvil es una obra teatral con mucho humor, en donde a través de él se dice mucho sobre la cultura actual. Humor que muestra a personajes que a simple vista parecen diferentes, pero están muy unidos en cuanto a que cada hijo desea la muerte de su propia madre.

Pablo Robles representa a la perfección al hijo adinerado y muy atractivo, con una madre millonaria y posesiva. Mientras que por el otro lado, está la psicótica y humorística “Elsa” con su insoportable hija. Personalmente, admiré la actuación del muy muy muy atractivo personaje hombre; y la actuación de Elsa, la madre que está a punto de pasar a la tercera edad.

Creo que Móvil es una obra que hay que ir a ver, sí o sí.
Para más información, les dejo la información oficial acerca de Móvil.

Móvil

de Sergi Belbel, con la dirección de Mario Ferreira.

Móvil cuenta la historia de cuatro personajes que coinciden en un hotel tras sufrir el desalojo del aeropuerto donde se encontraban por culpa de un ataque terrorista. Sin saberlo, estas cuatro personas están relacionadas y, además de mantener una extraña relación entre ellas durante su estancia en el hotel, también se ponen en contacto con sus familiares y amigos, todo con la ayuda del teléfono móvil.

Móvil es sobre todo una obra que habla de nosotros; de quienes habitamos el planeta tierra en una época llena de contradicciones y donde las bombas explotan y nos sorprenden a la vuelta de cualquier esquina. Y siempre es un gusto poder decir desde el teatro aquello que nos ayude a parar por unos instantes la máquina para poder pensar antes de dar el próximo paso. Con o sin cobertura.

Mario Ferreira.

Elenco: Silvia García, Anael Bazterrica, Guadalupe Pimienta y Pablo Robles.
Funciones: Viernes y Sábados a las 21.00 horas. Domingos a las 19.00 hs.
Entradas: $220. Socio Espectacular gratis. Tarjeta joven y Jubilados, los Viernes y Domingos a $150.
En: Sala Atahualpa de Teatro El Galpón.

LA ESTRELLA DE SEVILLA O LA ESTRELLA CONTEMPORÁNEA

2010-05-01T13:07:00.001-03:00

En el teatro Solís de Montevideo se presentó la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Madrid, con la obra La estrella de Sevilla.
La obra de teatro, La estrella de Sevilla, atribuida a Lope De Vega se presentó bajo la dirección y versión del español Eduardo Vasco.

Desde el comienzo de la obra supe que me iba a gustar: hombres y mujeres vestidos con ropa formal (zapatos, pantalón de vestir y saco) dentro de una escenografía de madera limpia, clara y lisa.

La versión de La estrella de Sevilla que se presentó demuestra la vigencia del texto dentro de nuestras sociedades occidentales. Una obra que se puede adaptar a nuestra realidad, con nuestras batallas y juegos por el poder, honor, dinero y por la libertad.
Por lo que creo acertado el acto de representar la obra en un espacio posmoderno y minimalista. Al igual que veo acertado, y no me disgusta, la vestimenta de los personajes.

Pensé que iba a ir a ver una obra clásica que no iba a entender. Pero no fue así.
Creo que podría decir que es una de las mejores representaciones que he visto en este año.

LA CHINA, UNA OBRA ORDINARIA

2010-04-03T23:05:00.001-03:00

El domingo pasado fui al teatro La Candela (en Punta Carretas) a ver una obra de teatro basada en dos gauchos con tendencias homosexuales.

La obra de teatro La china se centra en la figura de dos gauchos recluidos en su rancho, que esperan ansiosamente la llegada de "la china" que contrataron para mantener relaciones sexuales.
La obra es una patada en la boca del estómago, que al recibirla entre sonrisas, risas y carcajadas, se asimila sin mayor resistencia. Participa de una suerte de poética del espanto, de una estética del horror y la desesperación. Pero lo hace a través de un humor desopilante, que alterna y ensambla con resultados irresistibles lo cotidiano y lo literario, lo soez y lo filosófico, lo popular y lo culto.

Más allá de esa breve descripción que se puede leer en cualquier sitio Web o diario impreso, creo que La china es una obra ordinaria y muy divertida. Una obra con muy poco texto, que se centra exageradamente en las excelentes interpretaciones que le dan sus actores.

Desde el comienzo de la obra, el público comienza a reírse de las caras y de la forma de hablar de los gauchos ~~originariamente argentinos~~ uruguayos que protagonizan el espectáculo. Desde el comienzo hasta el final, hay risas; el publico no logra entender el mensaje muy oculto que tiene la obra, ya que hay momentos de reflexión que el público parece no entender. Lamentablemente soy de esas personas a las que no le dan gracia las caras graciosas, pero igualmente me pude divertir y me pude reír: creo que si no hubiese sido por la fuerza que le meten los actores, hubiese salido pensando que la obra es una mierda.

Insisto en que la obra parece no tener mucho texto; pero muestra ciertos hechos filosóficos de la vida: amor, avance del tiempo y fundamentalmente, la transgresión a lo prohibido. Esa transgresión de lo prohibido que se muestra al final de la obra, no fue captada por el público.

(Siempre pienso que el público del teatro La Candela es muy distinto del que va al resto de los teatros montevideanos a ver cultura)

En resumen; hay que ir a ver La china, una obra ordinaria. Es una obra muy divertida para pasar el rato y escuchar bastantes ‘malas’ palabras.

Imagen obtenida del Facebook oficial de BACO TEATRO. Tomada por Rafael Sosa.

>> Si todavía no la viste, dejá de leer. Voy a contar el final:

Lamentablemente sentí que con las risas del público ~~excesivamente estúpido~~ se pierde el valor filosófico del final de la obra, un final en el que los personajes pagan el haber transgredido la cultura y el modelo del hombre de campo. Los gauchos pagan su homosexualidad cometida en una cama frente a una gran cruz: un gaucho pierde los ojos de la fuerza con que es penetrado por un gaucho que pierde su ‘huevo’ que acrecentaba su bulto. Ambos gauchos terminan muriendo, luego de haber cometido el acto homosexual y prohibido.

MACBETH, POR LA COMEDIA NACIONAL

2010-03-07T13:49:00.001-02:00

Ayer sábado fui al gran teatro Solís a ver la tragedia perfecta, Macbeth. La obra de William Shakespeare está bajo la dirección del uruguayo Mario Ferreira y se representa en la sala principal del teatro Solís.

Dos horas de función que se pasan rápidamente, un muy bien logrado efecto de luz y sonido, la belleza del teatro Solís y un reparto de buenos actores; hacen que ver Macbeth sea un verdadero placer.

Aunque me pareció que algunos personajes estaban muy “forzados”, así sentí al personaje de Macbeth. En ciertas ocasiones Macbeth parecía un tipo que pretendía tener una voz de un guerrero muy varonil y para ello usaba un español neutro con tonos muy exagerados. Es decir que si bien me gustó el actor que representaba a Macbeth, a veces no sentí armonioso su físico con su voz y acento.

También esperaba encontrarme con una Lady Macbeth mucho más fuerte, ya que si bien a veces intentaba cargarse de su fuerza terminaba siendo un personaje débil. Considero que en la obra, Lady Macbeth tiene mucho peso; que debiera haber sido reflejado en la representación a través de la actuación de otra actriz. Cuando salió a escena Lady Macbeth pensé: “¿esa es Lady Macbeth?”.

En resumen, más allá de esas consideraciones es una muy buena representación de la Comedia Nacional.

SINOPSIS > MACBETH
por Comedia Nacional en Teatro Solís / de William Shakespeare / dirección Mario Ferreira

Macbeth vuelve victorioso del campo de batalla, con la sangre de la guerra aún pegada en la piel. Antes de que el rey lo recompense otorgándole nuevos títulos, tres brujas le predicen su futuro reinado. El ambicioso Macbeth se muestra rápidamente capaz de matar para realizarse en su deseo de poder. Empujado por su esposa, Lady Macbeth, se hunde en una espiral de violencia, hasta que las misteriosas profecías de las brujas acaban por volverse en su contra. Esta tragedia de Shakespeare nos muestra el círculo vicioso del Mal y del ansia de poder, las máscaras que disimulan el miedo y la naturaleza humana fatalmente proclive a la violencia.

Una pesadilla recreada en escena, radical y física, animal, metafísica, hedionda y brutal pero también iluminada con brillantes momentos de humor.

Espectáculo con actuaciones de: Pablo Varrailhon / Andrea Davidovics / Delfi Galbiati / Diego Arbelo / Fabricio Galbiati / Elisa Contreras / Daniel Spinno Lara / Levón / Oscar Serra / Isabel Legarra / Cristina Machado / Luis Martínez / Leandro Núñez / Miguel Pinto / Pepe Vázquez / Lucas Pichuaga (actor invitado) / Manuel Caraballo (actor invitado) / Guillermo Robales (actor invitado) / Yamandú Barrios (actor invitado) / Fernando Vanet (actor invitado)

La escenografía está a cargo de: Adán Torres / Leticia Skricky / Ivana Domínguez

El vestuario está realizado por Paula Villalba. Luces de Martín Blanchet. Música por Alvaro Pérez. Adaptación de Elisa Contreras . Realización de Unidad de infraestructura teatral. Bajo la dirección de Mario Ferreira.

ARARAT: NO SE QUE DECIR

2009-11-28T17:02:00.001-02:00

Ayer viernes fui al Teatro Solís (sala Zabala Muníz) a ver la obra de Santiago Sanguinetti titulada Ararat. Lamentablemente no tengo una opinión formada sobre la obra, ya que cuando salí del teatro no me podía dar cuenta (de lo más simple de la vida) de si me había gustado o no.

La mejor forma de transmitir mi opinión sobre Ararat es titulando todo lo que pensé mientras transcurría la obra.

1/ Desagrado. Todo era desagradable: personajes, escenografía…

Es un aspecto muy positivo a destacar, sentí lo que el autor quiso transmitir, en cuanto a la asquerosidad de esos personajes que temían la muerte.

2/ Me encanta la temática posmoderna, en donde el mundo es una mierda y todos hacemos una filosofía de eso. Pero en varios momentos sentí que todo lo que se decía, ya había sido dicho. Por momentos, la obra era repetitiva. (Con facilidad, le sacaría unos 30 minutos)

Uh.. que embole. Se quedó la obra. Lo pensé varias veces hasta que lograba engancharme otra vez.

3/ Quién es quién. Los personajes eran confusos, parecían no tener una personalidad. Entiendo que tal vez ese era el propósito, aunque estuvo mal logrado.

En pocas ocasiones cada personaje mostraba su individualidad, hasta que todos se confundían.

4/ Necesito un masaje. Empecé a estar incómodo a la hora de función, quería que todo se terminase de una vez. La obra no daba para más.

Como verán, tengo grandes contradicciones. Tal vez la mejor forma de culminar esta pseudo crítica sea otorgándole un puntaje del 1 al 5.

Calificación para Ararat: 2

MATÉ A UN TIPO (EN TEATRO EL GALPÓN)

2009-11-22T01:14:00.001-02:00

La obra comienza cuando un matrimonio compuesto por una mujer rubia que no para contar chismes sobre sus vecinos y un hombre abrumado y serio están sentados a la mesa. Ella no para de hablar hasta que su marido la interrumpe para decirle: maté a un tipo.

Y así empieza la obra que se desarrolla a través del absurdo y en menos de una hora. Se destaca la actuación de Héctor Guido (ya lo había visto en otras obras, es un excelente actor) y la musicalización en vivo a través de un batero junto a su batería.

En mi opinión, vale la pena ir a reírse de situaciones absurdas.

La descripción de la obra según teatro el Galpón:

“Maté a un tipo” es una comedia negra que se convierte en drama surrealista hasta que un psicólogo empieza a ahondar en las relaciones de esta familia de clase media donde el hábito de matar acaba por convertirse en un auténtico vicio.
A través de cuatro personajes nos acercamos al escenario donde interactúan los responsables de los crímenes que suceden cada día en las grandes ciudades.
Y resulta que estamos todos retratados entre los participantes.
La impaciencia, el encubrimiento familiar y la imperiosa necesidad de confesarse son el eje que sostiene la impunidad con las que se manejan a veces las situaciones más cotidianas.

ÚLTIMOS REMORDIMIENTOS ANTES DEL OLVIDO

2009-11-15T16:13:00.001-02:00

Muy pocas veces me dan ganas de pararme a aplaudir en la mitad de la obra. Muy pocas veces salgo del teatro y quedo sin palabras. Muy pocas veces veo un excelente texto acompañado por excelentes actores.

Todo eso me pasó con la obra de teatro últimos remordimientos antes del olvido. Una obra en donde el juego con el discurso y la representación realizada por los actores aplacaron todos los malos ruidos del teatro Circular.

La historia se centra en las relaciones humanas, fundamentalmente ente dos hombres y una mujer que en su juventud compraron una casa y en la cual se encuentran varios años después de haberse separado.
En el encuentro cada personaje mostrará sus armas para olvidar el pasado y lo que ha sucedido entre ellos; pero el pasado parece no poderse olvidar.

Me encantan estas obras en donde los personajes tienen perfiles psicológicos atractivos y a los que no se llega con facilidad. Esas obras en donde se juega con el discurso, específicamente con la propia palabra. Últimos remordimientos antes del olvido es una de las mejores obras que he visto este año.

Últimos remordimientos antes del olvido // Teatro Circular
de Jean Luc Lagarce, con la dirección de Ernesto Clavijo.

LA MADONNITA: LA LUZ QUE CREA ARTE

2009-11-08T15:42:00.000-02:00

Este sábado fui al teatro El Galpón a ver la obra de Mauricio Kartun, llamada La Madonnita.

Cuando saqué la entrada y me puse a leer la revista de Socio Espectacular, me di cuenta de que era para mayores de dieciocho años; por lo que rápidamente pensé que los dos actores y la actriz (la Madonnita) iban a estar desnudos en toda la obra.

Pero no, no hay desnudos sino que el lenguaje no es el mejor para los menores de edad. Igualmente yo, con veintiún años, no entendía la mayoría de las palabras “fuertes” que se utilizaron.

El léxico bonaerense de principios de siglo veinte, acompañado de una cama con unas telas frente a una cámara le dieron a la obra ese marco que nos permitía integrarnos a ella. La actuación por parte de los actores fue muy buena; incluso la Madonnita (que no hablaba).

Si bien no es el “tipo” de obras que a me gusta ver, entiendo que está muy bien realizada y realmente siento que me gustó mucho.

INVENTARIO: LO MEJOR FUE EL LATÓN

2009-11-06T17:12:00.000-02:00

El domingo pasado fui al teatro Circular a ver la obra Inventario de Philippe Minyana, con la dirección de María Varela. Personalmente no me pareció una buena obra, aunque considero que si fuese una mujer de más de cincuenta años podría estar escribiendo que me pareció una muy buena obra.

Si bien los personajes femeninos están muy bien representados, la obra no me logró convencer.

La obra se basa en un concurso televisivo en donde tres mujeres deben hacer un inventario de sus vidas con el fin de llamar la atención y lograr ganar. El show de televisión las hace caer en lo más bajo de su personalidad, como sucede con los actuales programas de reality/entretenimiento.

LOS DE ABAJO: BABILONIA EN EL GALPÓN

2009-11-06T12:50:00.000-02:00

El pasado sábado fui al teatro El Galpón a ver la obra Babilonia, de Armando Discépolo; con la dirección de Jorge Denevi.

Es una maravilla poder ver una muy buena obra crítica en un lugar como la sala Campodónico del Galpón. El juego de luces, la escenografía y los actores hacen que la obra sea una maravilla.

En la obra se desata la crítica a la sociedad rioplatense de comienzos de siglo XX, en donde los que están al mando “los de arriba” son la nueva clase alta compuesta por nuevos ricos que han obtenido su dinero a través de medios cuestionables. La obra se centra en “los de abajo”, la clase baja compuesta por sirvientes inmigrantes y criollos que sueñan dejar de lado su vida de pobres y de servicio.

Babilonia es una muy buena obra, con humor crítico e intelectual.
Vayan a verla!